对于一般人来说，鉴赏一幅绘画作品时常以能否“看得明白”为标准。他们鉴赏的步骤通常是看绘画作品画的是什么、画得像不像、画家为什么要画这种形象等。如果鉴赏绘画作品的人把这些问题都回答出来了，那就证明他看明白了，反之则没有看明白这幅画。这种方法是一种传统的讲“故事”的方法，对于绘画作品的鉴赏往往过多借助“文学性”的描述。用这种方法来鉴赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品容易鉴赏，因为它具体、真实。但如果是粗放的、写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难鉴赏了，因为它不写实，形象不具体，便无从知道作者的寓意了。

 

当然，一般人用这种方法鉴赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共鸣。但是一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。

就艺术而论，衡量一件绘画作品的好坏，或鉴赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品所反映的某种观念、某种思想、某种情绪能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。同时，这也是创作艺术作品的真正目的。

 

那么，该如何鉴赏画呢？就国画而言，一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味、构图、着色、笔力等，最后才看它的造型，即像不像或“形似”。这种抓“神韵”的鉴赏方法抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，也是中国国画家们追求的目标。

当然，要从画中去体验到一种“神韵”并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。

有人提出，艺术的鉴赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去鉴赏绘画作品是很有一定道理的。

 

审美感知就是直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，作品上画的是什么，画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等。然后，在审美感知的基础上进行审美理解，即在直观感受的基础上进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解，对作品表现的内容和表达的主题的理解，以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等。

 

最后是审美创造阶段，即通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、生活阅历等进行丰富的联想，升华开去，再创造出一个新的意象来。这样，鉴赏者才真正获得了启迪和教育，才获得了欣赏绘画的乐趣。